에두아르 마네 Édouard Manet
나다르가 촬영한 초상 사진, 1866–1867년경
신상정보
본명 Édouard Manet
출생 1832년 1월 23일 프랑스 왕국 파리
사망 1883년 4월 30일(51세) 프랑스 제3공화국 파리
직업 화가, 삽화가, 석판화가, 제도사, 데생화가, 시각 예술가, 예술가
국적 프랑스
학력 콜레주 리세 자크 드쿠르
스승 토마 쿠튀르, 오귀스트 불라르
제자 에바 곤잘레스
사조 인상주의
수상 레지옹 도뇌르 슈발리에
부모 오귀스트 마네(부) 외제니데지레 푸르니에(모)
배우자 쉬잔 마네(1863~1883)
자녀 레옹 린호프
형제 귀스타브 마네 . 외젠 마네
친척 베르트 모리조 (배우자의 여형제) 쥘리 마네 (조카딸)
주요 작품
풀밭 위의 점심 식사, 올랭피아, 폴리베르제르의 바, 발코니, 튈르리 정원의 음악회, 피리 부는 소년, 막시밀리안 황제의 처형, 기찻길 (마네)
영향
토마 쿠튀르
에두아르 마네
에두아르 마네(Édouard Manet 프랑스어: [edwaʁ manɛ]; 1832년 1월 23일 ~ 1883년 4월 30일)는 프랑스의 모더니즘 화가였다.
그는 현대의 삶을 그린 최초의 19세기 예술가 중 한 명이었으며, 사실주의에서 인상주의로 넘어가는 전환기에 중추적인 역할을 한 인물이었다.
정치적 인맥이 탄탄한 상류층 가정에서 태어난 마네는 원래 계획된 해군 경력을 거부하고 회화의 세계에 몰두했다.
1863년과 65년에 각각 처음 선보인 그의 초기 걸작 《풀밭 위의 점심 식사》와 《올랭피아》는 비평가들과 미술 아카데미에게 큰 논란을 불러일으켰으나, 곧 진보적인 예술가들로부터 인상주의라는 새로운 양식으로 향하는 돌파구가 된 작품들이라는 찬사를 받았다.
이 작품들은 근대 미술의 시작을 알리는 획기적인 회화로 간주된다.
마네는 생애 마지막 20년 동안 당대의 다른 위대한 예술가들과 유대 관계를 맺었으며, 혁신적이라는 평가를 받고 미래의 화가들에게 큰 영향을 미친 자신만의 단순하고 직접적인 스타일을 발전시켰다.
앙리 팡탱라투르가 그린 에두아르 마네, 1867; 시카고 미술관, 시카고
어린 시절
에두아르 마네는 1832년 1월 23일 파리의 뤼 데 프티 오귀스탱(현 보나파르트가)에 있는 유서 깊은 저택에서 부유하고 인맥이 넓은 가정의 아들로 태어났다.
그에게는 외젠(1833년생)과 귀스타브(1835년생) 등 두 명의 남동생이 있었다.
그의 어머니 외제니 데지레 푸르니에는 외교관의 딸이자 스웨덴 국왕 칼 14세 요한의 대녀였다.
그의 아버지 오귀스트 마네는 프랑스의 판사였으며 에두아르가 법조계에서 경력을 쌓기를 기대했다.
그의 삼촌 에드몽 푸르니에는 그에게 그림을 그리도록 격려했고 어린 마네를 루브르 박물관에 데려가곤 했다.
1844년, 그는 중등학교인 콜레주 롤랭에 입학하여 1848년까지 기숙사 생활을 했다.
그는 학업에 별다른 재능을 보이지 않았으며 대체로 불행한 학교 생활을 보냈다.
1845년, 삼촌의 조언에 따라 마네는 특별 드로잉 강좌에 등록했고 그곳에서 훗날 미술부 장관이 된 평생의 친구 안토냉 프루스트를 만났다.
1848년에 마네는 아버지의 제안에 따라 훈련선을 타고 리우데자네이루로 항해했다.
프랑스 해군에 입대하기 위한 시험에 두 번 낙방한 후, 그의 아버지는 미술 교육을 받으려는 그의 소망을 인정했다.
1850년부터 1856년까지 마네는 아카데미 화가 토마 쿠튀르 밑에서 공부했다.
쿠튀르는 학생들에게 현대의 삶을 그리라고 권장했지만, 마네가 《압생트를 마시는 사람》과 같은 하층민과 "퇴폐적인" 주제를 선택하자 경악했다.
여가 시간에 마네는 루브르 박물관에서 디에고 벨라스케스와 티치아노 베첼리오 같은 옛 거장들의 작품을 모사했다.
1853년부터 1856년까지 마네는 독일, 이탈리아, 네덜란드를 짧게 방문했으며, 그 기간 동안 네덜란드 화가 프란스 할스와 스페인 예술가 디에고 벨라스케스 및 프란시스코 고야의 영향을 받았다.
경력
1856년, 마네는 작업실을 열었다.
이 시기 그의 스타일은 느슨한 붓질, 세부 묘사의 단순화, 색조 변화의 생략이 특징이었다.
귀스타브 쿠르베가 시작한 사실주의 양식을 채택하여 《압생트를 마시는 사람》(1858~59)과 거지, 가수, 집시, 카페의 사람들, 투우와 같은 현대적 주제들을 그렸다.
마네는 초기 경력 이후 종교적, 신화적 또는 역사적 주제를 거의 그리지 않았는데, 1864년의 종교화로는 《병사들에게 모욕당하는 예수》와 《천사들과 함께 있는 죽은 그리스도》가 있다.
마네는 1861년 살롱에 두 점의 작품이 입선되었다.
하나는 어머니와 아버지의 초상화(《마네 부모님의 초상》)였는데, 당시 아버지는 뇌졸중이나 진행된 매독으로 마비된 상태였으며 비평가들로부터 좋지 않은 평가를 받았다.
다른 하나인 《스페인 가수》는 테오필 고티에의 찬사를 받았으며, 살롱 관람객들에게 인기가 있었던 덕분에 더 눈에 띄는 장소에 배치되었다.
다른 많은 살롱 회화들의 세심한 스타일과 비교했을 때 "약간 건성건성한 듯" 보였던 마네의 작품은 일부 젊은 예술가들의 흥미를 끌었고 그의 작업실에 새로운 일거리를 가져왔다.
한 당대 소식통에 따르면, "낯설고 새로운 방식"으로 그려진 《스페인 가수》는 "많은 화가들의 눈을 번쩍 뜨게 하고 입을 다물지 못하게 했다"고 한다.
튈르리 정원의 음악회
이 부분의 본문은 튈르리 정원의 음악회입니다.
《튈르리 정원의 음악회》, 1862
1862년 마네는 그의 초기 걸작 중 하나인 《튈르리 정원의 음악회》를 전시했다.
튈르리 정원에 모인 군중을 묘사한 이 그림은 마네의 평생 주제가 될 파리의 야외 여가를 보여준다.
정원의 인물들 중에는 시인 샤를 보들레르, 음악가 자크 오펜바흐를 비롯한 마네의 가족과 친구들이 포함되어 있으며 화가의 자화상도 들어있다.
튈르리 정원의 음악회는 상당한 비평가와 대중의 관심을 받았으며, 그 대부분은 부정적이었다.
한 마네 전기 작가의 말에 따르면, "이 작품이 전시되었을 때 불러일으킨 분노의 종류를 우리가 상상하기란 어렵다.
"고전적 영웅, 역사적 아이콘 또는 신들 대신 마네의 사교계를 묘사함으로써, 이 그림은 그러한 주제들의 가치에 도전하거나 그의 동시대인들을 같은 수준으로 끌어올리려는 시도로 해석될 수 있었다.
장 루이 에르네스트 메소니에와 같은 역사 화가들의 정교하고 세밀한 붓질에 익숙했던 대중은 마네의 두꺼운 붓질이 투박하고 미완성인 것처럼 보인다고 생각했다.
주제와 기법에 화가 난 여러 방문객은 심지어 그림을 훼손하겠다고 위협하기도 했다.
마네의 우상 중 한 명이었던 외젠 들라크루아는 이 그림을 옹호한 몇 안 되는 인물 중 하나였다.
대체로 부정적인 반응에도 불구하고, 이 논란은 마네를 파리에서 유명한 이름으로 만들었다.
풀밭 위의 점심 식사 (Le Déjeuner sur l'herbe)
이 부분의 본문은 풀밭 위의 점심 식사입니다.
풀밭 위의 점심 식사(Le déjeuner sur l'herbe), 1863
또 다른 주요 초기작은 처음엔 제목이 《목욕》(Le Bain)이었던 《풀밭 위의 점심 식사》이다.
이 작품은 1863년 살롱에서 낙선되었고, 마네는 낙선전(Salon des Refusés)에 전시하였다.
이 낙선전은 공식 살롱의 선정 위원회가 5,000점 이상의 출품작 중 2,217점만을 승인한 후 대중의 항의가 거세지자 황제 나폴레옹 3세가 해결책으로 시작한 것이었다.
이를 통해 낙선한 예술가들이 원할 경우 자신의 그림을 전시할 수 있게 되었다.
이 그림은 완전히 옷을 입은 남성들과 누드 여성을 나란히 배치하여 논란을 불러 일으켰으며, 마네를 쿠르베와 구별짓는 혁신적인 기법인 간결하고 스케치 같은 붓놀림 또한 논란이 되었다.
한 비평가는 붓질이 마치 "바닥 대걸레"로 칠한 것처럼 보인다고 말했다.
그러나 그의 친구 안토냉 프루스트와 같은 이들은 이 그림을 극찬했고, 소설가 에밀 졸라는 이 작품을 본 경험에 너무나 감동하여 나중에 자신의 소설 《작품》(L'Œuvre)에 등장하는 그림의 제목을 《풀밭 위의 점심 식사》에 바탕을 두었다.
하지만 마네의 구도는 옛 거장들에 대한 연구를 바탕으로 한다.
주요 인물들의 배치는 라파엘로 산치오의 소묘를 바탕으로 한 마르칸토니오 라이몬디의 인그레이빙 작품 《파리스의 심판》(1515년경)에서 유래했다.
그밖에 학자들이 중요한 전례로 꼽는 작품으로는 《전원 음악회》(1510년경)와 《폭풍우》가 있으며, 이 두 작품은 이탈리아 르네상스 거장 조르조네 또는 티치아노 베첼리오의 작품으로 귀속된다.
《풀밭 위의 점심 식사》와 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 《흰색 교향곡 1번: 하얀 소녀》는 낙선전에서 가장 많이 논란이 된 작품이었으며, 그로 인해 낙선전은 역대 가장 유명한 미술 전시회 중 하나가 되었다.
또한 살롱 이후 마네는 더욱 악명이 높아졌고 널리 회자되었다.
그러나 《풀밭 위의 점심 식사》와 마네의 다른 그림들은 여전히 팔리지 않았고, 마네는 최근 사망한 아버지로부터 받은 유산으로 계속 생활했다.
《올랭피아》, 1863–65, 유화, 오르세 미술관
올랭피아
이 부분의 본문은 올랭피아 (마네)입니다.
《풀밭 위의 점심 식사》에서와 마찬가지로 마네는 《올랭피아》(1863)에서 다시 한번 르네상스 예술가의 존경받는 작품을 오마주했다.
이는 초기 스튜디오 사진을 연상시키는 누드였으나, 그 자세는 티치아노 베첼리오의 《우르비노의 비너스》(1538)를 바탕으로 했다.
이 그림은 또한 프란시스코 고야의 그림 《옷을 벗은 마하》(1800)를 연상시킨다.
마네는 살롱에 전시할 누드화를 그려보라는 도전을 받고 이 그림에 착수했다.
자신감에 찬 매춘부를 독특하고 솔직하게 묘사한 이 작품은 1865년 파리 살롱에 입선했지만 전시회에서 스캔들을 일으켰다.
안토냉 프루스트에 따르면, "관람객들이 그림을 훼손하거나 구멍을 내는 것을 막은 것은 전시 운영진의 조치 덕분이었다"고 한다.
이 그림이 논란이 된 이유는 누드 여성이 머리에 꽂은 난초, 팔찌, 목의 리본, 뮬 슬리퍼와 같은 작은 장신구들을 착용하고 있었기 때문인데, 이 모든 것들이 그녀의 벌거벗음, 성적 매력, 편안한 코티즌 생활을 강조했다.
난초, 올린 머리, 검은 고양이, 꽃다발은 모두 당시 성적 상징으로 인식되었다.
또한 이 현대적인 비너스의 몸은 당시의 미적 기준과 달리 말랐으며, 그림의 이상주의적 요소가 부족하다는 점이 관람객들의 반감을 샀다.
일본의 목판화 예술에서 영감을 받은 그림의 평면성은 누드 여성을 더 인간적이고 덜 풍만한 모습으로 만들었다.
이 작품에는 흑인 하녀가 완전히 옷을 입은 채 등장하는데, 이는 흑인이 성적으로 개방적이라는 당시의 통념을 반영한 것이었다.
그녀가 여기서 코티즌의 하녀 옷을 입고 있다는 점이 작품의 성적 긴장감을 더욱 고조시킨다.
올랭피아의 몸과 시선은 부끄러움 없이 대립적이다.
그녀는 하녀가 남성 구혼자 중 한 명이 보낸 꽃을 받으며 당당하게 밖을 내다본다.
그녀의 손이 다리 위에 놓여 치부를 가리고 있지만, 이는 전통적인 여성의 정숙함을 암시하는 것이 아니라 오히려 역설적이다.
이 작품에서 정숙함이라는 개념은 완전히 결여되어 있다.
한 당대 비평가는 올랭피아의 "뻔뻔하게 구부러진" 왼손을 비난했는데, 이는 그에게 티치아노의 비너스가 보여주는 편안하고 가리는 손에 대한 조롱처럼 보였다.
마찬가지로 침대 발치에 있는 경계하는 검은 고양이는 티치아노의 《우르비노의 비너스》에서 여신을 묘사할 때 등장하는 잠자는 개와는 대조적으로, 성적으로 반항적인 분위기를 풍긴다.
올랭피아는 대중 언론에서 풍자의 대상이 되었으나 프랑스 아방가르드 공동체의 옹호를 받았으며, 귀스타브 쿠르베, 폴 세잔, 클로드 모네, 그리고 훗날 폴 고갱과 같은 예술가들은 이 그림의 중요성을 높이 평가했다.
《풀밭 위의 점심 식사》와 마찬가지로 이 그림은 당시 프랑스 사회의 매춘 문제와 사회 내 여성의 역할에 대한 문제를 제기했다.
《제비꽃 다발을 든 베르트 모리조》, 1872
《누워 있는 베르트 모리조》, 1873
삶과 시대
1862년 아버지가 사망한 후, 마네는 1863년 개신교 교회에서 쉬잔 렌호프와 결혼했다.
렌호프는 네덜란드 태생의 피아노 교사로 마네보다 두 살 연상이었으며, 마네와 약 10년 동안 연인 관계였다.
렌호프는 처음에 마네와 그의 남동생의 피아노 가정교사였다.
그녀는 또한 오귀스트의 정부였을 수도 있다. 1852년 렌호프는 혼외자로 아들 레옹 코엘라 렌호프를 낳았다.
마네는 아내를 모델로 여러 그림을 그렸는데, 그중 《독서》가 대표적이다.
그녀의 아들 레옹 렌호프는 마네의 아들, 혹은 마네의 이복형제일 수도 있는데, "1859년에서 1872년 사이의 그림에서 마네를 위해 18번이나 포즈를 취했다.
"가장 유명한 작품은 1861년의 《칼을 든 소년》(뉴욕 메트로폴리탄 미술이다.
그는 또한 《발코니》(1868~69)의 배경에서 쟁반을 든 소년으로 등장한다.
마네는 또 다른 화가 베르트 모리조를 통해 인상주의 화가인 에드가 드가, 클로드 모네, 오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬레, 폴 세잔, 카미유 피사로와 친분을 쌓았다.
이들은 나중에 바티뇰 그룹(Le groupe des Batignolles)으로 널리 알려지게 되었다.
화가 장오노레 프라고나르의 종손녀인 베르트 모리조는 1864년 파리 살롱에 처음 입선했으며, 이후 10년 동안 살롱에서 계속 전시를 이어갔다.
마네는 1868년 모리조와 친구이자 동료가 되었다.
모리조는 마네에게 야외 풍경화를 시도해 보라고 권유했는데, 그녀는 또 다른 친구인 카미유 코로의 소개로 야외 풍경화를 그리기 시작한 상태였다.
그들은 서로 영향을 주고받는 관계였으며 마네는 그녀의 기법을 일부 자신의 그림에 통합했다.
1874년 모리조는 마네의 동생인 외젠과 결혼하였다.
그녀가 그의 동생과 결혼하기 전에 마네가 그린 수많은 초상화들로 미루어 보아, 마네와 모리조 사이에 이루지 못한 사랑이 있었을 것이라는 추측이 있다.
《팔레트를 든 자화상》, 1879
핵심 인상주의자들과 달리 마네는 예술가들이 살롱을 포기하고 독립적인 전시를 하기보다는 살롱 드 파리에 전시하는 것을 목표로 해야 한다고 주장했다.
그럼에도 불구하고 마네가 1867년 만국 박람회에서 제외되었을 때, 그는 자신만의 전시회를 열었다.
그의 어머니는 그가 엄청난 비용이 드는 이 프로젝트에 유산을 모두 탕진할까 봐 걱정했다.
전시는 주요 비평가들로부터 좋지 않은 평가를 받았지만, 드가를 포함한 여러 미래의 인상주의 화가들과 처음 접촉하는 계기가 되기도 했다.
마네는 자신의 작품이 인상주의 양식에 영향을 주었음에도 불구하고, 인상주의 전시회에 참여하는 것을 거부했다.
부분적으로는 특정 그룹의 대표자로 비춰지는 것을 원하지 않았고, 부분적으로는 살롱에서 전시하는 것을 선호했기 때문이었다.
그의 정식 제자는 소설가 에마뉘엘 곤잘레스의 딸인 에바 곤잘레스가 유일했다.
그는 인상주의자들, 특히 모네와 모리조의 영향을 많이 받았다.
그들의 영향은 마네의 밝은 색채 사용에서 볼 수 있다.
1870년대 초반 이후 그는 어두운 배경을 덜 사용하게 되었지만, 인상주의 회화에서는 이례적으로 검은색을 계속 사용했다.
그는 야외 풍경화를 많이 그렸지만, 그가 항상 진지한 작업이라고 생각했던 화실 작업으로 돌아왔다.
마네는 작곡가 에마뉘엘 샤브리에와 친밀한 우정을 나누었으며, 그의 초상화를 두 점 남겼다.
이 음악가는 마네의 그림 14점을 소유하고 있었으며 자신의 《즉흥곡》을 마네의 아내에게 헌정했다.
1880년대 초 마네의 모델 중 한 명은 상류층 여성이었던 메리 로랑으로, 그녀는 파스텔로 그린 7점의 초상화를 위해 포즈를 취했다.
당시의 많은 프랑스(심지어 미국) 작가와 화가들이 메리 로랑의 살롱에 모였고, 마네는 그러한 행사들을 통해 인맥과 영향력을 행사했다.
《보들레르의 정부(잔 뒤발의 초상)》, 1862
마네는 평생 동안 수많은 미술 비평가들의 비판을 받았지만, 언론에서 그를 공개적으로 지지한 에밀 졸라, 스테판 말라르메, 그리고 그에게 삶을 있는 그대로 묘사하라고 도전했던 샤를 보들레르는 평생 마네를 옹호해 주었다.
마네는 보답으로 그들 각자의 모습을 그리거나 초상화를 남겼다.
《카페 콩세르》, 1878. 로슈슈아르 대로의 캬바레 드 라이히스호펜을 배경으로 한 장면으로, 사회 변두리의 여성들이 부유한 신사들과 자유롭게 어울리는 모습이다. 월터스 미술관.
카페 장면
마네의 카페 장면 그림들은 19세기 파리 사회 생활에 대한 관찰이다.
사람들은 맥주를 마시거나, 음악을 듣거나, 추파를 던지거나, 책을 읽거나, 기다리는 모습으로 묘사된다.
이 그림들 중 상당수는 현장에서 실행된 스케치를 바탕으로 제작되었다.
마네는 로슈슈아르 대로에 있는 브라스리 라이히스호펜을 자주 방문했으며, 1878년 《카페에서》는 바로 이 카페를 모티브로 하였다.
여러 사람이 바에 있고, 한 여성이 관람객을 쳐다보고 있으며, 다른 사람들은 서빙되기를 기다리고 있다. 이러한 묘사는 플라뇌르의 일기를 그림으로 표현한 듯 하다.
이들은 할스와 벨라스케스를 참조한 느슨한 스타일로 그려졌지만, 파리 밤문화의 분위기와 느낌을 포착한다.
이들은 보헤미아니즘, 도시의 노동자들, 그리고 일부 부르주아지 계층의 모습을 담은 스냅샷이다.
《카페 콩세르의 한 구석》에서 한 남자가 담배를 피우고 그 뒤로 여급이 음료를 서빙한다.
《맥주를 마시는 사람들》에서는 한 여성이 친구와 함께 맥주를 즐긴다.
《카페 콩세르》에서는 세련된 신사가 바에 앉아 있고 여종업원은 배경에서 당당하게 서서 음료를 마시고 있다.
《여종업원》에서는 서빙하는 여성이 파이프를 피우며 앉아 있는 손님 뒤에서 잠시 멈춰 서 있고, 배경의 무대 위에는 팔을 뻗고 막 회전하려는 발레 무용수가 있다.
마네는 또한 식당 외에 정원이 딸린 클리시 가의 페르 라퇴유(Pere Lathuille's)라는 레스토랑에도 자주 방문했다.
그가 이곳에서 제작한 그림 중 하나는 《페르 라튀유 식당에서》로, 한 남자가 근처에서 식사하는 여성에게 관심을 보이는 장면이다.
《르 봉 복》(Le Bon Bock, 1873)에서는 턱수염을 기른 쾌활하고 덩치 큰 남자가 한 손에는 파이프를, 다른 손에는 맥주잔을 들고 관람객을 정면으로 바라보며 앉아 있다.
《롱샹의 경마》, 1864
사회 활동을 그린 그림들
마네는 더 공식적인 사회 활동을 즐기는 상류층을 그렸다.
《오페라 극장의 가면무도회》는 파티를 즐기는 활기찬 군중을 보여준다.
남자들은 실크햇을 쓰고 긴 검은색 정장을 입은 채 가면과 의상을 착용한 여성들과 대화하며 서 있다.
그는 이 그림에 자신의 친구들의 초상화를 포함시켰다.
그의 1868년 그림 《작업실에서의 점심 식사》은 마네 집의 식당에서 포즈를 취한 것이다.
마네는 그의 작품에서 다른 인기 있는 활동들도 묘사했다.
《롱샹의 경마》에서는 독특한 원근법을 사용하여 관람자를 향해 질주하는 경주마들의 격렬한 에너지를 강조했다.
《스케이트》에서는 전경에 잘 차려입은 여성을 보여주고, 그 뒤로 다른 사람들이 스케이트를 탄다. 항상 주제 뒤에서 계속되는 활기찬 도시 생활의 감각이 캔버스의 프레임 밖으로 확장된다.
《만국 박람회 전경》(View of the International Exhibition)의 경우, 군인들은 앉거나 서서 휴식을 취하고, 부유한 커플들은 대화를 나누고 있다.
정원사, 개를 동반한 소년, 말을 탄 여성 등 파리 사람들의 계층과 연령의 표본이 담겨 있다.
《막시밀리안 황제의 처형》, 1867. 보스턴 미술관. 막시밀리아노 1세의 처형을 다룬 세 점의 대형 캔버스 중 가장 덜 완성된 작품이다.
전쟁
현대 생활에 대한 마네의 반응에는 전쟁을 다룬 작품들이 포함되었으며, 이는 "역사화" 장르에 대한 현대적 해석으로 볼 수 있다.
그러한 첫 번째 작품은 프랑스 해안에서 발생한 남북 전쟁의 해전인 셸부르 해전으로 알려진 해상 교전을 다룬 《키어사지호와 앨라배마호의 해전》(1864)으로, 화가가 직접 목격했을 가능성이 있다.
다음 관심사는 프랑스의 멕시코 개입이었다. 1867년부터 1869년까지 마네는 프랑스의 외교 및 국내 정책에 대한 우려를 불러일으킨 사건인 《막시밀리안 황제의 처형》을 세 가지 버전으로 그렸다.
이 작품들은 마네의 가장 큰 그림들에 속하며, 이는 화가가 이 주제를 가장 중요하게 여겼음을 시사한다.
이 주제는 나폴레옹 3세에 의해 옹립되었던 합스부르크 황제 막시밀리아노 1세가 멕시코 총살형을 당하는 장면이다. 이 그림들이나 이 주제를 다룬 석판화는 프랑스에서 전시가 허용되지 않았다.
이 그림들은 공식화된 학살에 대한 고발로서, 고야를 작품(《1808년 5월 3일》)을 떠올리게 하며, 피카소의 《게르니카》를 예견하는 듯하다.
《비눗방울 부는 소년》(1867), 마네는 회화에서 전통적으로 비눗방울로 표현되는 삶의 덧없음을 표현했다.
프로이센-프랑스 전쟁 동안 마네는 드가와 함께 파리 포위전 동안 도시 방어를 돕기 위해 국민방위군에 지원했다. 1871년 1월, 그는 피레네산맥의 오로롱생트마리로 여행했다.
마네의 친구들은 그가 없음에도 파리 코뮌의 "예술가 연맹"(Fédération des artistes, 쿠르베 참조)에 그의 이름을 추가했다.
마네는 아마도 피의 일주일이 끝날 때까지 파리를 떠나 있었던 것으로 보인다.
셸부르에 있는 베르트 모리조에게 보낸 편지(1871년 6월 10일)에서 그는 "우리는 며칠 전에 파리로 돌아왔다..."고 썼다(피의 일주일은 5월 28일에 끝났다).
부다페스트 미술관의 판화 및 드로잉 컬렉션에는 마네의 수채화/과슈 작품인 《바리케이드》가 소장되어 있는데, 막시밀리아노 1세 처형 석판화를 바탕으로 베르사유 군대가 코뮌 전사들을 즉결처형하는 장면을 묘사한다.
유사한 작품인 《바리케이드》(합판에 유채)는 개인 소장가가 소유하고 있다.
파리
마네는 그의 작품에서 파리 거리를 여러번 묘사했다.
《깃발로 장식된 모스니에 거리》는 거리 양쪽 건물을 덮고 있는 빨강, 하양, 파랑 깃발을 묘사한다.
이 그림은 두 가지 버전이 있는데, 그 중 하나는 목발을 짚고 걷는 외다리 남자를 특징으로 한다.
동일한 거리를 묘사한 《모스니에 거리의 도로포장공》에서는 사람들이나 말들이 지나가는 동안 남자들이 도로를 수리하는 모습이 담겨 있다.
《기찻길》, 1873
'생 라자르 역'으로 널리 알려진 《기찻길》은 1873년에 그려졌다.
배경은 19세기 후반 파리의 도시 경관이다.
이 그림은 그의 가장 좋아하는 모델이자 동료 화가인 빅토린 뫼랑(올랭피아와 풀밭 위의 점심 식사의 모델이기도 함)을 묘사한 마지막 작품으로, 그녀는 무릎 위에 잠자는 강아지와 펼쳐진 책을 들고 철제 울타리 앞에 앉아 있다.
그녀 옆에는 화가를 등지고 아래로 지나가는 기차를 지켜보는 어린 소녀가 있다.
마네는 전통적인 자연 경관 대신, "캔버스를 가로질러 대담하게 뻗어 있는" 철제 창살을 풍경화의 배경으로 선택한다. 기차의 유일한 증거는 흰색 증기 구름이다.
멀리 현대적인 아파트 건물들이 보인다.
이 배치는 전경을 좁은 초점으로 압축하여, 깊은 공간이라는 전통적인 관습은 무시된다.
역사학자 이자벨 데르보는 이 그림이 1874년 파리 살롱에서 처음 전시되었을 때 받았던 반응을 다음과 같이 설명했다.
"방문객들과 비평가들은 주제가 당혹스럽고, 구도가 일관성이 없으며, 대충 그려졌다고 생각했다.
만평가들은 마네의 그림을 비웃었으며, 오늘날과 같은 현대성의 상징으로 인식한 사람은 극소수뿐이었다.
" 이 그림은 현재 워싱턴 D.C.의 내셔널 갤러리 오브 아트에 소장되어 있다.
마네는 1874년에 보트 타기를 주제로 한 여러 작품을 그렸다.
현재 메트로폴리탄 미술관에 있는 《보트 타기》는 마네가 일본 판화에서 배운 교훈을 간결하게 보여주며, 보트와 돛의 프레임에 의한 갑작스러운 크로핑은 이미지의 즉각성을 더한다.
1875년, 말라르메가 번역한 에드거 앨런 포의 《더 레이븐》 프랑스어판 단행본에 마네의 석판화가 포함되었다.
1881년, 친구 안토냉 프루스트의 압력으로 프랑스 정부는 마네에게 레지옹 도뇌르 훈장을 수여했다.
《폴리베르제르의 바》 (Un Bar aux Folies-Bergère), 1882, 코톨드 갤러리, 런던
후기 작품
40대 중반에 마네의 건강은 악화되었고, 다리에 심한 통증과 부분적 마비가 생겼다.
1879년에 그는 혈액 순환 문제라고 믿었던 것을 개선하기 위해 뫼동 근처의 스파에서 물치료요법(hydrotherap)를 받기 시작했으나, 실제로는 매독의 부작용인 척수 매독을 앓고 있었다.
1880년에 그는 그곳에서 오페라 가수 에밀리 앙브르가 카르멘으로 분한 모습의 초상화를 그렸다.
암브레와 그녀의 연인 가스통 드 보플랑은 뫼동에 영지를 소유하고 있었으며, 1879년 12월 뉴욕에서 마네의 《막시밀리안 황제의 처형》의 첫 전시회를 열어주기도 했다.
생애 마지막 해에 마네는 《아스파라거스 다발》과 《레몬》(둘 다 1880년)과 같은 과일과 채소를 주제로 한 소규모 정물화를 많이 그렸다.
그는 1882년에 그의 마지막 주요 작품인 《폴리베르제르의 바》(Un Bar aux Folies-Bergère)를 완성했으며, 그해 살롱에 입선했다.
그 후 그는 작은 크기의 작품 활동에 전념했다.
마네의 마지막 그림들은 유리병에 담긴 꽃들이었다.
알려진 그러한 그림은 20점이 있으며, 마지막 그림은 사망하기 불과 두 달 전인 1883년 3월에 그려졌다.
13년 후 베네치아 전시회에서 인용된 바에 따르면, 마네는 예술가가 말하고 싶은 것을 "꽃, 과일, 구름"으로 표현할 수 있다고 말했다고 한다.
그의 마지막 꽃 그림들은 그 믿음의 증거이다.
2023년 뉴욕 시의 메트로폴리탄 미술관은 드가와 에두아르 마네의 2인전을 개최했다.
사망
1883년 4월, 마네는 매독과 류머티즘으로 인한 합병증으로 발생한 괴저 때문에 왼발을 절단했다.
그는 11일 후인 4월 30일 파리에서 사망했으며 시내의 파시 묘지에 안치되었다.
유산
마네의 공적인 경력은 살롱에 처음 참가한 1861년부터 그가 사망한 1883년까지 이어졌다.
1975년 드니 루아르와 다니엘 빌덴슈타인이 목록화한 그의 작품은 유화 430점, 파스텔 89점, 종이 작품 400점 이상으로 구성된다.
파시에 있는 마네의 묘
전통적인 마무리가 부족하다고 비난한 비평가들로부터 가혹한 질타를 받았음에도 불구하고, 처음부터 그의 작품을 옹호하고 찬미하는 사람도 있었다.
그중 한 명은 에밀 졸라로, 그는 1867년에 다음과 같이 썼다.
"우리는 현실에 대한 이토록 단순하고 직접적으로 해석한 작품을 보는 데 익숙하지 않다.
또한 내가 말했듯이, 놀랍도록 우아한 어색함이 있다...
자연을 부드러운 잔혹함으로 해석하는 이 빛나고 진지한 그림을 감상하는 것은 진정으로 매혹적인 경험이다."
마네의 그림에서 거칠게 칠해진 스타일과 사진 같은 조명은 특히 현대적인 것으로 간주되었으며, 그가 모방하거나 참조했던 르네상스 작품들에 대한 도전으로 보였다.
그는 토마 쿠튀르 작업실에서 배웠던, 어두운 톤의 바탕 위에 연속적인 물감 층을 사용하여 그림을 구성하는 기법을 거부하고, 밝은 바탕 위에 불투명한 물감을 사용하는 직접적인 알라 프리마(alla prima) 방식을 선호했다.
당시로서는 참신했던 이 기법 덕분에 단 한 번의 작업으로 그림을 완성하는 것을 가능하게 했다.
이는 인상주의자들에 의해 채택되었으며, 그 후 세대들에게 유화의 보편적인 회화 방식이 되었다.
마네의 작품은 표면의 불투명한 평면성, 스케치 같은 부분, 인물의 검은색 윤곽선 등 그림 평면과 물감의 질감을 강조하는 특징들 때문에 "초기 근대"로 분류된다.
미술사학자 베아트리스 파웰은 마네가 "모더니즘의 아버지로 널리 인정받고 있다"고 말한다.
쿠르베와 함께 그는 대중을 상대로 진지한 위험을 감수했던 최초의 인물들 중 하나였으며, 알라 프리마 회화를 유화의 표준 기법으로 만든 최초의 인물이었으며, 르네상스 원근법을 자유롭게 다루고 '순수 회화'를 미적 즐거움의 원천으로 제안한 최초의 인물 중 한 명이었다.
그는 쿠르베와 함께 인문주의적이고 역사적인 주제를 거부한 선구자였으며, 드가와 함께 현대 도시 생활을 고급 예술의 소재로 확립하는 데 기여했다"고 말한다.
미술 시장
마네의 후기 회화인 《봄》(1881)은 2014년 11월 5일 크리스티 경매에서 예상가 2,500만~3,500만 달러를 초과하는 6,510만 달러에 J. 폴 게티 미술관에 팔리며 마네의 새로운 경매 기록을 세웠다.
이전 경매 기록은 2010년 6월 22일 소더비에서 3,320만 달러에 팔린 그의 《팔레트를 든 자화상》이 보유하고 있었다.
갤러리
《정원사 그리스도》, c. 1856–1859, 개인 소장.
《압생트를 마시는 사람》 c. 1859, 글립토테크 미술관, 코펜하겐
《스페인 가수》, 1860, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
《칼을 든 소년》, 1861, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
《놀란 님프》, 1861, 국립미술관, 부에노스아이레스
《늙은 음악가》, 1862, 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《에스파다 복장을 한 빅토린 뫼랑》, 1862, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
《스페인 발레》, 1864, 필립스 컬렉션, 워싱턴 D.C.
《천사들과 함께 있는 죽은 그리스도》, 1864, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
《키어사지호와 앨라배마호의 해전》, 1864, 필라델피아 미술관.
《죽은 투우사》, 1864–65, 내셔널 갤 러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《철학자》 (굴을 든 거지), 1864–67, 시카고 미술관
《넝마주이》, 1865–70, 노턴 사이먼 미술관, 패서디나
《독서》, 1865–1873, 오르세 미술관, 파리
《피리 부는 소년》, 1866, 오르세 미술관, 파리
《멜론과 복숭아가 있는 정물》, 1866, 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《비극 배우》 (햄릿 역의 루비에르), 1866, 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《1866년의 젊은 여인》(앵무새와 여인), 1866, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
《기타 연주자》, c. 1866, 힐스테드 박물관, 파밍턴, 코네티컷
《브뤼네 부인의 초상》, 1867, J. 폴 게 티 미술관, 로스앤젤레스
《막시밀리안 황제의 처형》, 1868, 만하임 미술관
《에밀 졸라의 초상》, 186 8, 오르세 미술관, 파리
《작업실에서의 점심 식사》 (검은 재킷), 1868, 노이에 피나코테크, 뮌헨.
《발코니》, 1868–69, 오르세 미술관, 파리
《담배를 피는 집시 여인》, c. 1860s–1870s, 프린스턴 대학교 미술관
《아르카숑의 실내》, c. 1871, 클라크 미술관, 윌리엄스타운, 매사추세츠
《오페라 극장의 가면무도회》, 1873, 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《보트 타기》, 1874, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕
《위렐 신부의 초상》, 1874, 국립 장식미술관, 부에노스아이레스
《베네치아 대운하》 (푸른 베네치아), 1875, 셸번 박물관, 버몬트
《마네 부인》, 1874–76년경, 노턴 사이먼 미술관, 패서디나
《스테판 말라르메의 초상》, 1876, 오르세 미술관, 파리
《파리의 여인》, 1876년경, 국립미술관, 스톡홀름
《나나》, 1877, 함부르크 미술관
《깃발로 장식된 모스니에 거리》, 1878, J. 폴 게티 미술관, 로스앤젤레스
《자두 브랜디》, 1878, 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《카페에서》, 1878, 자물룽 오스카 라인하르트 '암 뢰머홀츠', 빈터투어
《바》, 1878–79, 푸시킨 미술관, 모스크바
《온실에서》, 1879, 구 국립미술관, 베를린
《페르 라튀유 식당에서》, 1879, 투르네 미술관
《아스파라거스 다발》, 1880, 발라프리하르츠 미술관, 쾰른
《사자 사냥꾼 페르튀이제의 초상》, 1881, 상파울루 미술관
《말을 탄 여인》, 1882년경, 티센보르네미사 미술관, 마드리드
《뤼에유의 집》, 1882, 빅토리아 국립미술관, 멜버른
《뤼에유의 정원 길》, 1882, 디종 미술관
《크리스탈 화병의 꽃들》, 1882, 내셔널 갤러리 오브 아트, 워싱턴 D.C.
《유리 화병의 흰 라일락》, 1883, 구 국립미술관, 베를린
《크리스탈 화병의 카네이션과 클레마티스》, 1883, 오르세 미술관, 파리
같이 보기
에두아르 마네의 작품 목록
사실주의
Hispagnolisme
Portraiture
회화의 역사
서양화
Sources Wikipedia